Fue amor a primera vista, dijo Loïc Le Gaillard, fundador de Carpenters Workshop Gallery (CWG). La sede londinense de la galería de diseño había estado en Mayfair durante 16 años, donde, según afirma, estaba anclada en un espacio de exposición en forma de cubo blanco, “que tenía el mismo lenguaje que todos los demás”.
Queriendo poder organizar proyectos y exposiciones más ambiciosos, se puso en contacto con un agente inmobiliario.
“Le dije: ‘búsqueme algo diferente’”, dijo riendo durante una entrevista en video. “Una semana después, el tipo llama a mi puerta y me dice: ‘Loïc, encontré algo que es demasiado grande, demasiado caro, no es en absoluto lo que quieres que esté. Pero creo que deberías verlo.
Al entrar en el espacio de 43.000 pies cuadrados, un edificio Beaux-Arts en tierra de nadie al norte del moderno Notting Hill, Le Gaillard supo que era un lugar donde él y su cofundador, Julien Lombrail, podían superar los límites y divertirse.
“Las vibraciones son increíbles”, dijo Le Gaillard. “Podremos lograr grandes cosas allí”.
El vasto espacio, Ladbroke Hall, fue construido a principios del siglo XX como fábrica de automóviles. Luego vivió otras vidas, como estudio de televisión y, finalmente, como espacio para eventos, hasta que Le Gaillard y Lombrail compraron el edificio y lo transformaron en un espacio polivalente, un proyecto de 30 millones de libras (unos 37,5 millones de dólares).
Inaugurado en su forma actual hace poco más de un año, Ladbroke Hall ahora alberga no sólo dos pisos de espacio de exhibición para la Carpenters Workshop Gallery, sino también Pollini, un restaurante italiano galardonado, salas privadas para eventos, una pequeña sala de conciertos que alberga Tardes de jazz semanales los viernes y un bar privado para aquellos que pagan para convertirse en patrocinadores de la galería. A finales de este mes, se abrirá una ampliación del jardín de bambú del restaurante y, a principios de otoño, se abrirá un enorme recinto subterráneo para espectáculos más grandes, a tiempo para albergar una exposición que coincida con Frieze London.
Para que esta inversión de 30 millones de libras sea rentable, la galería debe, por supuesto, vender sus obras. La próxima semana en TEFAF Nueva York, la galería presentará a un puñado de sus artistas más conocidos, entre ellos el español Nacho Carbonell, el italiano Vincenzo De Cotiis e Ingrid Donat, una artista decorativa franco-sueca (que es la madre de Lombrail). También presentará a algunos de sus nuevos creadores, como el polaco Marcin Rusak.
“Esta será la primera vez para mí”, dijo Rusak sobre su exposición en TEFAF Nueva York, y agregó que el espacio de Carpenters Workshop en Nueva York también albergará una exposición de su trabajo durante la feria.
“Desde que comencé a estudiar diseño”, dijo, “Carpenters Workshop estaba en la parte superior de mi lista, y ya sabes, había como tener este santo grial de galería, y durante mucho tiempo pensé que era inalcanzable.”
Si bien Lombrail creció en torno al diseño, Le Gaillard no, sino que estuvo expuesto al mundo del arte a través de su padre, que era dueño de una galería. Dejó su Francia natal para ir a Londres a los 20 años para estudiar finanzas corporativas y trabajó en la industria cosmética durante casi 15 años.
“Cuando tenía 30 años decidí que realmente quería hacer esto”, dijo, “inventar un nuevo lenguaje a la hora de mostrar diseño”. Gran parte de esto se inspiró e influyó en el trabajo de Droog, una firma de diseño holandesa donde, como describe Le Gaillard, la forma era más relevante que la función.
Entre Lombrail y Le Gaillard conocían bien el mundo del arte. Sin embargo, dijo Le Gaillard, ambos sentían que ya había “demasiados jugadores” en el espacio.
“Nuestros bolsillos no eran lo suficientemente profundos como para aspirar a convertirnos en un actor importante, porque se convirtió en un juego muy caro”, dijo Le Gaillard sobre el mundo del arte contemporáneo. “De hecho, pensamos que es precisamente aquí donde creemos que tenemos algo que decir y donde también podemos entrenar o dirigir a ciertos artistas para que desarrollen objetos, obras de arte, que se encuentran en la frontera entre el arte y el diseño”.
Esta idea de cambiar de forma en la industria ha atraído a muchos de los diseñadores que representan.
“Han eliminado la frontera entre arte y diseño”, escribió en un correo electrónico el influyente diseñador holandés Maarten Baas, a quien representa la galería. “Solía ser una discusión interminable a qué categoría pertenecen ciertas obras (como la mía), pero desde el CWG, esa discusión se ha vaporizado”.
Tomando su nombre de un antiguo taller de carpintería en Chelsea donde Le Gaillard tenía su oficina, convencieron a Donat de que, según Le Gaillard, debían “emprender este viaje juntos”. Poco después, se convirtió en una de sus primeras artistas decorativas.
Parte de ese viaje fue crear un taller de diseño en las afueras de París hace ocho años, donde pueden trabajar hasta 70 artesanos al mismo tiempo. Otro plan era abrir galerías adicionales en París, Nueva York y Los Ángeles.
“Siempre estamos explorando, experimentando cosas nuevas y, como todo, si no lo intentas, si no exploras, si no avanzas, te quedas quieto”, dijo Le Gaillard. “Así que se trata de cómo capitalizar eso, pero tratando de ir un poco más allá sin reinventar la rueda todo el tiempo, pero al menos tratando de ver cómo podemos crear algunas de las técnicas antiguas con las nuevas y ver si puede ser constructivo y algo valioso para los artistas.
A lo largo de los años, han construido no solo su grupo de artistas como Rick Owens, Wendell Castle, Johanna Grawunder y Karl Lagerfeld (sí, ese Karl Lagerfeld, cuyas obras escultóricas expusieron en Nueva York en 2019), sino también una clientela que incluye Brad Pitt, Tom Ford y Dasha Joukova.
“Tienen una relación muy estrecha con sus artistas”, escribió Nicole Hollis, una diseñadora de interiores con sede en San Francisco que trabajó con la galería cuando encargó un comedor personalizado para un importante coleccionista. Agregó que la galería tiene “una habilidad especial para permitirles crear sus mejores trabajos y experimentar mientras los orienta sobre lo que busca el usuario final”. Es un equilibrio.
Julia Peyton-Jones, ex codirectora de la Serpentine Gallery de Londres y actual directora global senior de proyectos especiales de la Galerie Thaddaeus Ropac, estuvo de acuerdo con esta evaluación. Carpenters Workshop, escribió en un correo electrónico, “mira la cultura en su conjunto y explora” áreas donde se superponen disciplinas como el diseño, la escultura y el arte. “Esto es lo que las diferencia de otras galerías”, escribe. »
Aunque hacerse cargo de un espacio tan gigantesco a un costo inmenso es un riesgo – algo que reconoció Le Gaillard – el nuevo hogar de Carpenters Workshop ciertamente tiene el potencial de convertirse en un nuevo centro artístico en una parte de Londres que durante mucho tiempo ha quedado fuera del mapa cultural.
Con la apertura del nuevo espacio subterráneo este otoño, existe la oportunidad de trasladar a los amantes del arte y el diseño a North Kensington, un área entre vecindarios más atractivos como Notting Hill y Queen’s Park, para almorzar, una exposición y un concierto de jazz. para terminar el día.
“Carpenters Workshop nos hace pensar en lo que entendemos por diseño”, escribió en un correo electrónico Deyan Sudjic, exdirector del Museo del Diseño de Londres. “Tiene un enfoque valiente, está dispuesto a aceptar las voces más difíciles y a ser audaz en lo que hace. Nadie más habría rivalizado con Ladbroke Hall, con sus enormes y ambiciosos espacios.
Baas, el diseñador holandés, estuvo de acuerdo. “Piensan en algo mucho más grande y completo que otras galerías”, escribe. “Presentación perfecta, visión a largo plazo, inversiones audaces y siguen presionando”.